La Guitarra. Introducción al instrumento.

La forma de la guitarra ha variado a traves de los siglos. Aparte del número de cuerdas, el instrumento en sí ha ido progresivamente adáptadose a las necesidades del intérprete hasta llegar a la forma actual.
Las maderas empleadas en su fabricación son las de palosanto de la India o de Río, abeto, cedro del Canadá, pino, ciprés y ébano principalmente, dependiendo del tipo de guitarra (clásica o flamenca).
La guitarra se compone esencialmente de la caja de resonancia, el mástil, el puente, el diapasón, los trastes y el clavijero.
La caja de resonancia esta constituida por el fondo, la tapa armónica y los aros. El fondo y la tapa armónica son planos. El fondo es de palosanto mientras que la tapa puede ser de pino, abeto, cedro o incluso ciprés. La tapa armónica se halla perforada en su parte intermedia por un agujero llamado boca o tarraja, está reforzada por siete (más o menos depende del constructor) delgadas barras de madera llamadas varetas dispuestas en la parte interior y con forma de abanico. Los aros son dos largas y estrechas piezas de palosanto curvadas a fuego y que se unen en los extremos superior e inferior de la caja. La unión de los aros se asegura en el interior con dos tacos de madera colocados uno en la base del mango y otro en la parte opuesta.
Además los aros se refuerzan a lo largo de su parte interna con dos tiras de madera llamadas tapajuntas.
El mango será de madera de palosanto o cedro y está compuesto por el clavijero, el mástil y la quilla o zoque. Antiguamente las clavijas eran insertadas directamente en la madera del clavijero pero actualmente todos los constructores utilizan clavijeros mecánicos. Estos clavijeros que tienen dos cortes verticales, están preparados para recibir los huesos, pequeñas piezas en las que se enrollan las cuerdas. Las clavijas metálicas quedan fuera y sirven para tensar las cuerdas y así afinar el instrumento. El mástil, la parte más larga del mango, se cubre con el diapasón, trozo de madera sobre el que pisan con los dedos las cuerdas de la guitarra. La quilla o zoque es la base del mango que se fija a la caja de resonancia.
Una vez encolados todos los elementos que componen la caja de resonancia, se unen ésta y el mango y se colocan los refuerzos a lo largo del contorno de las dos tapas, en el centro del fondo y en las uniones inferiores y superiores de los aros. Después se coloca el diapasón que suele ser de palosanto o ébano. Entre el mástil y el clavijero se coloca la cejuela para apoyo y separación de las cuerdas, suele ser de marfil, de hueso o de plástico o incluso de metal, dependiendo de la calidad de la guitarra. Al tener todos los elementos ensamblados está lista para el barnizado.
Existen dos formas de barnizado, una que se da con goma laca a mano y que es más costosa y tiene mucho más trabajo, y la otra que es dando el barniz simplemente con una pistola a base de poliuretano que seca rápidamente; esta última tiene el inconveniente que el barniz se coloca como una placa a la caja de resonancia restándole sonido.
La última operación y quizás la más delicada consiste en el aplanado del diapasón y la colocación de los trastes, los cuales suelen ser de alpaca o latón. Un perfecto trasteado es de importancia fundamental ya que de él depende la justeza en la afinación. Finalmente se coloca el puente en la parte inferior de la tapa armónica, suele éste ser de palosanto y es donde va encordada la guitarra en este extremo. Posteriormente se colocan las clavijas y se procede al encordado del instrumento. Antiguamente las cuerdas eran de tripa, actualmente son de nylon.

La afinación de las seis cuerdas es la siguiente
Primera Mi - Segunda Si - Tercera Sol - Cuarta Re - Quinta La - Sexta Mi

Sus orígenes no son muy claros, numerosos instrumentos del mismo tipo eran utilizados en la antigüedad, se han descubierto representaciones en bajorrelieves asirios e hititas que se remontan a 1000 años antes de nuestra era. No obstante, el nombre de guitarra provendría de instrumentos sin mango (kettarah) y esto ha dado lugar a suponer que la guitarra deriva de las cítaras griegas y romanas, a las cuales se les habría adjuntado un mango al comienzo de nuestra era.

Sea como sea desde los siglos XI o XII existen dos tipos de "guitarres" o " guiternes": la morisca de forma ovalada emparentada con la mondora (siglos XIV-XVIII) y con la familia de las laudes, así como con la mandolina; la latina (guitarra latina) de fondo plano, como la guitarra actual con lados y perfiles que unen la tapa con el fondo. La primera ira a favor de origen oriental (una especie de laúd asirio, pasando por Pérsia y Arabia, habría conquistado España sobre la dominación árabe); la segunda, a favor de un origen greco-latino. Uno y otro tipo están representados en las miniaturas de las Cantigas de Santa María de Alfonso X el sabio (1270). En el siglo XIV, Macheau y Eustache Deschamps citan la "guiterna" sin precisar el tipo, pero parece que se trata de la guitarra "latina" pues su hermana moresca había derivado en la "mandora".
En siglo XVI aparece una literatura muy rica cuya gran producción se centra en España.En esta época aparece una guitarra de cinco cuerdas cuya aportación se debe al poeta y músico andaluz Vicente Martínez Espiel, nacido en Ronda (Málaga) en el año 1550.
El portugués Nicola Doici de Velasco, publicó, en el año 1630 su Nuevo método por cifra para tañer guitarra de cinco cuerdas, el más antiguo de cuantos se conocen, y en el cual se da un mensaje extraordinario: " En Francia, Italia y demás países, a la guitarra se le llama española desde que Espinel puso la quinta cuerda, quedando tan perfecta como el laúd, al arpa, la tiorba y el clavicordio y aún más abundante que éstos ".

La guitarra adquirió gran importancia debido a la aportación de Gaspar Sanz, (1640-1710) compositor aragonés que gracias a su obra" Instrucción de música sobre la guitarra española"supuso un gran aporte a la guitarra barroca.
El siglo XVIII trajo consigo gran evolución en la guitarra. Tal vez la modificación más transcendente fue con la aparición de la sexta cuerda.
En el año 1760, fray Miguel García, conocido como el padre Basilio, presento por vez primera una guitarra de seis cuerdas, siento éste el primer músico en escribir música para guitarra en notación musical moderna.

Como consecuencia del enriquecimiento musical que adquirió la guitarra de seis cuerdas, al final del siglo XVIII aparecieron grandes concertistas en el arte de tañer la guitarra como:
Fernando Carulli (1770-1849), gran clásico de la guitarra, que compuso más de trescientas obras y escribió un tratado de armonía, publicado en el año 1825.
Dionisio Aguado (1778-1849) gran estudioso de la digitación, nación en Madrid y fue discípulo del padre Basilio; su método aún está en vigor.

Fernando Sor (1778-1839) catalán, dio prestigio universal a la guitarra; se le llamaba en "Beethoven" del instrumento.

Francisco Tárrega (1854-1909) nació en Castellón. Demostró por primera vez todas las posibilidades musicales de la guitarra, sus composiciones son de una armonización magnifica y movió a los músicos más importantes a componer para guitarra. Los conocimientos que Tárrega extrajo de la guitarra fueron recogidos y ampliados por el más ilustre maestro de nuestros tiempos Andrés Segovia, (1893-1987)que nació en Linares (Jaén), con su gran talento y amor a la guitarra, llevo la guitarra a todos los conservatorios del mundo y las grandes salas de conciertos.

Etapas del desarrollo musical

Son muchos los investigadores que trabajaron sobre el desarrollo del pensamiento musical, destacando a Dowling, Moog, Shuter-Dyson y Grabiel, Rainbow y Owen y a Bentley. A continuación, trataré algunos de los principales puntos de sus obras referidos a las etapas del desarrollo musical.

Fuentes de Estimulación Temprana:

Baby Talk. Este término se refiere a las modificaciones adaptativas del habla que los adultos próximos al niño utilizan para dirigirse a él. Se caracteriza por tener unas connotaciones musicales y lingüísticas de gran importancia para el desarrollo del lenguaje y de la sensibilidad y aptitud musical. Son experiencias precursoras de la sensibilización, del desarrollo perceptivo y de las habilidades musicales debido a su riqueza de modulaciones melódicas, ritmo, intensidad, acentuación y expresión que activan la atención del niño. 

Canciones de cuna. A través de ellas le llegan elementos musicales como compás, ritmo, sonoridad, contornos melódicos. Capacitan al niño para percibir modilaciones de voz y ña carga emocional de la canción.

El Desarrollo Melódico 

Hay controversias sobre si las primeras manifestaciones musicales son melódicas o rítmicas. Moog parece decidirse por la primeras, estudiando el balbuceo, en el que distingue entre el musical y el no musical. Este es precursor del habla y aparece primero (2-8 meses), mientras que el musical aparece como respuesta a la experiencia vivida, a la música oída (8 meses). Se realiza sobre una vocal o pocas sílabas y con un ritmo muy pobre.

El desarrollo melódico y el canto espontáneo. Moog explica ña evolución según la edad.

-De 0 a 1 año. Predominio de intervalos descendentes. Canciones breves con repeticiones de palabras de un único tono y valor rítmico. Las pausas se realizan por necesidad fisiológica de respirar.
-2 años. Canciones más largas y organizadas. Intervalos reducidos (de segunda y tercera).
-4 años. Canciones potpourris, precedente de canciones conocidas en las que alternan palabras y ritmo.
-5 años. Disminuye en frecuencia la cación espontánea, pues surge la preocupación por la precisión.

Imitación de canciones

-De 0 a 3 años. Empiezan repitiendo algunos fragmentos de la letra, patrones rítmicos y tonales hasta llegar a aprender el contorno melódico y rítmico.
-3 y 4 años. Repiten la canción completa, dominando el ritmo y el contorno melódico. Dificultad en producir intervalos precisos y en mantener la misma tonalidad.
-5 años. Reproducen con precisión nanas y canciones infantiles. Su voz alcanza una extensión de 10ma, con desplazamientos de intervalos máximos de 6ta.

La educación artística y musical

El arte es propio de lo humano, en sus múltiples aspectos, al hacerlo, al percibirlo, al gozarlo, al entenderlo. Es el medio por el cual las personas pueden expresar y comunicar diferentes aspectos de una realidad muchas veces incomprensible. Aspecto central de la vida de los hombres, ocupa un logar de privilegio en la experiencia que todos tenemos de nuestra propia cultura. Elliot afirma que las obras de arte en sus diversas expresiones son... "esencialmente artísticas y sociales, juegan un papel importante para establecer, definir, delinear y preservar un sentido de comunidad e identidad dentro de los grupos sociales", sentido de comunidad e identidad que la escuela contribuye a formar.

La actividad musical en el ser humano ha sido estudiada desde diversas especialidades científicas. Los avances y los descubrimientos en los campos de la antropología, la biología, la medicina y la psicología no han hecho sino corroborar y ampliar el conocimiento sobre la existencia de actitudes y aptitudes estrictamente humanas hacia el sonido; lo mismo si este sonido es producido por el propio individuo, como si se recibe del entorno. La música es un fenómeno innato en el ser humano: está presente de forma espontánea en las primeras manifestaciones sonoras de los niños y acompaña a la humanidad en un gran número de acontecimientos de su ciclo vital.

La importancia de asegurar una educación musical se perfila, en determinados contextos, como una necesidad indiscutible que debe asegurarse a toda la población.En definitiva, si consideramos la música como un elemento educativo que incide en el desarrollo de determinadas capacidades físicas y psíquicas del individuo, que lo enriquece y le suministra instrumentos para su realización como ser humano en un contexto social y cultural concreto, la escuela debe asumir el reto de integrarla plenamente en el currículum.

Intento en este punto, hacer una referencia al entorno sonoro en el que viven inmersos los niños de nuestra sociedad. Una sociedad en que la música es utilizada con una intencionalidad claramente mercantilista por los medios de comunicación de masas. El contacto, a veces permanente, con determinadas formas de música, perdidos casi completamente los mecanismos más tradicionales de transmisión (la familia, el juego, las celebraciones riituales de la comunidad, etc) transforman a los individuos en consumidares pasivos de música, sin raíces propias ni distintivas que les ayuden a identificarse con un colectivo, que les impiden ser conocedores de la propia identidad y, al mismo tiempo, ser conscientes de la diversidad y respetuosos de la diferencia.

la pregunta ¿qué música enseñar, hacer escuchar, hacer sonar? no

tiene una única respuesta, pero ciertamente no se puede basar en una

práctica superficial del multiculturalismo que no proponga una guía 

ni una llave de apropiación.

El educador musical debe, por tanto, conocer el valor que la música adquiere en el contexto social en el  que desenvuelve su labor, contexto que ha desarrollado formas particulares de expresión musical que están íntimamente relacionadas con costumbres y creencias y que, en muchas ocasiones, están también íntimamente relacionadas con un sistema de jerarquía social (el que ejecuta un instrumento o canta, se recorta del resto).

Por eso apuesto a una educación artística que rescate cuanto de artistas tengan nuestros niños. Poniendo a los alumnos como ejes y protagonistas del proceso educativo. Ya que la educación formal, en la mayoría de los casos, no fomenta la capacidad de crear en los alumnos y enfatiza la adquisición de informaciones más que el desafío de la búsqueda de respuestas originales. Todos somos potencialmente musicales, como todos somos potencialmente seres capaces de adquirir el lenguaje; pero eso no significa que el desarrollo musical pueda darse sin estimulación y sin nutrición, al igual que ocurre con la adquisición del lenguaje.

Les dejo estas definiciones de educación musical para reflexionar:

"La educación musical tiene una función individual: sensibilizar y desarrollar integralmente al educando y capacitarlo para hacer posible su acceso al conocimiento y placer de la música. Pero, al mismo tiempo, como todos los procesos educativos, la educación musical posee una función social, vinculada a sus potencialidades como instrumento para el cambio y la transformación social"

Violeta Hemsy de Gainza

"El papel de la educación musical en la primera infancia está bien definido: debe conservar y desarrollar las respuestas naturales del niño ante los valores estéticos. La estructura de la disciplina musical es el marco dentro del cual deben planearse los objetivos del aprendizaje, comenzando por los niños más pequeños. Consiste en dos clases de conceptos:
a)Conceptos musicales
b) Conceptos acerca de la música con repertorio y prácticas
como medios para establecer y desarrollar los conceptos"
Aronoff Webber