Cómo aliviar el dolor en los dedos al aprender a tocar la guitarra

Preguntale a cualquiera que haya aprendido a tocar la guitarra, y te dirá que aprender a tocar fue una de las mejores decisiones que han tomado. Sin importar lo buena que sea esta experiencia, no es sorprendente ver cómo muchas personas se dan por vencidas rápidamente. Es difícil aprender a tocar cualquier instrumento, pero aprender guitarra realmente duele. Si estás batallando porque te duelen los dedos, no te preocupes, es normal. Y no te rindas, el dolor desaparecerá. Mientras tanto, prueba estos consejos para aliviar el dolor.

Consigue las cuerdas correctas. 

Ciertas cuerdas vienen en diferentes medidas o diámetros. Las guitarras con diámetros pequeños son más fáciles de tocar que aquellas con cuerdas con diámetros más grandes.

Gradualmente ve desarrollando callos. 

Después de un par de semanas de tocar de forma regular, desarrollarás callos en tus dedos, y eso aliviará el dolor. De hecho, siempre y cuando toques de manera regular, mantendrás tus callos y nunca tendrás que preocuparte. La clave para desarrollar callos es tocar todos los días, pero no tocar mucho. Si tocas todos los días, puede que te salgan ampollas en lugar de callos. La tintura de Benjuí (Alcoholado de Benjuí o Bálsamo de Benjuí) es buena para evitar las ampollas y también para proteger la piel. Las ampollas o las cortadas te harán imposible tocar, y son lentas para sanar, así que no exageres.

Presiona las cuerdas sólo lo necesario. 

Los principiantes tienen la tendencia de presionar mucho las cuerdas. Relaja tus dedos, y presiona lo necesario para que la cuerda esté en contacto con el traste. Para ver si presionas demasiado, suelta un poco la cuerda, si suena bien (o mejor) es que estabas presionando mucho.

Disminuye el dolor. 

Ciertos productos pueden ayudarte a disminuir el dolor. Uno de los más populares es el vinagre de sidra de manzana, el cual también es un remedio muy popular para las quemaduras de sol y el dolor de garganta. Sumerge tus dedos en vinagre durante 30 minutos antes y después de tocar. Esto ayudará a aliviar el dolor. También puedes usar productos que contengan benzocaína antes y después de tocar. Sigue las direcciones en la etiqueta de estos productos, y deja de usarlos si causan alguna reacción alérgica.

Persevera. 

Cualquiera que quiera tocar guitarra tendrá sus dedos lastimados al principio. Vale la pena. Sólo sigue practicando regularmente, sigue estos consejos y pasarás esa etapa fácilmente.

La Guitarra. Introducción al instrumento.

La forma de la guitarra ha variado a traves de los siglos. Aparte del número de cuerdas, el instrumento en sí ha ido progresivamente adáptadose a las necesidades del intérprete hasta llegar a la forma actual.
Las maderas empleadas en su fabricación son las de palosanto de la India o de Río, abeto, cedro del Canadá, pino, ciprés y ébano principalmente, dependiendo del tipo de guitarra (clásica o flamenca).
La guitarra se compone esencialmente de la caja de resonancia, el mástil, el puente, el diapasón, los trastes y el clavijero.
La caja de resonancia esta constituida por el fondo, la tapa armónica y los aros. El fondo y la tapa armónica son planos. El fondo es de palosanto mientras que la tapa puede ser de pino, abeto, cedro o incluso ciprés. La tapa armónica se halla perforada en su parte intermedia por un agujero llamado boca o tarraja, está reforzada por siete (más o menos depende del constructor) delgadas barras de madera llamadas varetas dispuestas en la parte interior y con forma de abanico. Los aros son dos largas y estrechas piezas de palosanto curvadas a fuego y que se unen en los extremos superior e inferior de la caja. La unión de los aros se asegura en el interior con dos tacos de madera colocados uno en la base del mango y otro en la parte opuesta.
Además los aros se refuerzan a lo largo de su parte interna con dos tiras de madera llamadas tapajuntas.
El mango será de madera de palosanto o cedro y está compuesto por el clavijero, el mástil y la quilla o zoque. Antiguamente las clavijas eran insertadas directamente en la madera del clavijero pero actualmente todos los constructores utilizan clavijeros mecánicos. Estos clavijeros que tienen dos cortes verticales, están preparados para recibir los huesos, pequeñas piezas en las que se enrollan las cuerdas. Las clavijas metálicas quedan fuera y sirven para tensar las cuerdas y así afinar el instrumento. El mástil, la parte más larga del mango, se cubre con el diapasón, trozo de madera sobre el que pisan con los dedos las cuerdas de la guitarra. La quilla o zoque es la base del mango que se fija a la caja de resonancia.
Una vez encolados todos los elementos que componen la caja de resonancia, se unen ésta y el mango y se colocan los refuerzos a lo largo del contorno de las dos tapas, en el centro del fondo y en las uniones inferiores y superiores de los aros. Después se coloca el diapasón que suele ser de palosanto o ébano. Entre el mástil y el clavijero se coloca la cejuela para apoyo y separación de las cuerdas, suele ser de marfil, de hueso o de plástico o incluso de metal, dependiendo de la calidad de la guitarra. Al tener todos los elementos ensamblados está lista para el barnizado.
Existen dos formas de barnizado, una que se da con goma laca a mano y que es más costosa y tiene mucho más trabajo, y la otra que es dando el barniz simplemente con una pistola a base de poliuretano que seca rápidamente; esta última tiene el inconveniente que el barniz se coloca como una placa a la caja de resonancia restándole sonido.
La última operación y quizás la más delicada consiste en el aplanado del diapasón y la colocación de los trastes, los cuales suelen ser de alpaca o latón. Un perfecto trasteado es de importancia fundamental ya que de él depende la justeza en la afinación. Finalmente se coloca el puente en la parte inferior de la tapa armónica, suele éste ser de palosanto y es donde va encordada la guitarra en este extremo. Posteriormente se colocan las clavijas y se procede al encordado del instrumento. Antiguamente las cuerdas eran de tripa, actualmente son de nylon.

La afinación de las seis cuerdas es la siguiente
Primera Mi - Segunda Si - Tercera Sol - Cuarta Re - Quinta La - Sexta Mi

Sus orígenes no son muy claros, numerosos instrumentos del mismo tipo eran utilizados en la antigüedad, se han descubierto representaciones en bajorrelieves asirios e hititas que se remontan a 1000 años antes de nuestra era. No obstante, el nombre de guitarra provendría de instrumentos sin mango (kettarah) y esto ha dado lugar a suponer que la guitarra deriva de las cítaras griegas y romanas, a las cuales se les habría adjuntado un mango al comienzo de nuestra era.

Sea como sea desde los siglos XI o XII existen dos tipos de "guitarres" o " guiternes": la morisca de forma ovalada emparentada con la mondora (siglos XIV-XVIII) y con la familia de las laudes, así como con la mandolina; la latina (guitarra latina) de fondo plano, como la guitarra actual con lados y perfiles que unen la tapa con el fondo. La primera ira a favor de origen oriental (una especie de laúd asirio, pasando por Pérsia y Arabia, habría conquistado España sobre la dominación árabe); la segunda, a favor de un origen greco-latino. Uno y otro tipo están representados en las miniaturas de las Cantigas de Santa María de Alfonso X el sabio (1270). En el siglo XIV, Macheau y Eustache Deschamps citan la "guiterna" sin precisar el tipo, pero parece que se trata de la guitarra "latina" pues su hermana moresca había derivado en la "mandora".
En siglo XVI aparece una literatura muy rica cuya gran producción se centra en España.En esta época aparece una guitarra de cinco cuerdas cuya aportación se debe al poeta y músico andaluz Vicente Martínez Espiel, nacido en Ronda (Málaga) en el año 1550.
El portugués Nicola Doici de Velasco, publicó, en el año 1630 su Nuevo método por cifra para tañer guitarra de cinco cuerdas, el más antiguo de cuantos se conocen, y en el cual se da un mensaje extraordinario: " En Francia, Italia y demás países, a la guitarra se le llama española desde que Espinel puso la quinta cuerda, quedando tan perfecta como el laúd, al arpa, la tiorba y el clavicordio y aún más abundante que éstos ".

La guitarra adquirió gran importancia debido a la aportación de Gaspar Sanz, (1640-1710) compositor aragonés que gracias a su obra" Instrucción de música sobre la guitarra española"supuso un gran aporte a la guitarra barroca.
El siglo XVIII trajo consigo gran evolución en la guitarra. Tal vez la modificación más transcendente fue con la aparición de la sexta cuerda.
En el año 1760, fray Miguel García, conocido como el padre Basilio, presento por vez primera una guitarra de seis cuerdas, siento éste el primer músico en escribir música para guitarra en notación musical moderna.

Como consecuencia del enriquecimiento musical que adquirió la guitarra de seis cuerdas, al final del siglo XVIII aparecieron grandes concertistas en el arte de tañer la guitarra como:
Fernando Carulli (1770-1849), gran clásico de la guitarra, que compuso más de trescientas obras y escribió un tratado de armonía, publicado en el año 1825.
Dionisio Aguado (1778-1849) gran estudioso de la digitación, nación en Madrid y fue discípulo del padre Basilio; su método aún está en vigor.

Fernando Sor (1778-1839) catalán, dio prestigio universal a la guitarra; se le llamaba en "Beethoven" del instrumento.

Francisco Tárrega (1854-1909) nació en Castellón. Demostró por primera vez todas las posibilidades musicales de la guitarra, sus composiciones son de una armonización magnifica y movió a los músicos más importantes a componer para guitarra. Los conocimientos que Tárrega extrajo de la guitarra fueron recogidos y ampliados por el más ilustre maestro de nuestros tiempos Andrés Segovia, (1893-1987)que nació en Linares (Jaén), con su gran talento y amor a la guitarra, llevo la guitarra a todos los conservatorios del mundo y las grandes salas de conciertos.

Articulación

Definición: En música, articulación se refiere a la forma en que se reproducen las notas de una canción. Los efectos de articulación se representan con marcas de articulación , las cuales modifican la ejecución de las notas y crean ligaduras entre ellas . 


Prestá atención a este cuadro con las Marcas de Articulación

Marcas de articulación: Breve reseña.

Los signos y las líneas que se encuentran alrededor de las notas cambian el sonido y crean una relación con las notas a su alrededor. Este concepto se llama articulación y en el piano se modifica mediantes las marcas de articulación.

Entre los signos más frecuentes que afectan la articulación se incluyen:

• Staccato 
  Se coloca un pequeño puntillo arriba o debajo de la nota para hacerla durar menos (no confundir con el puntillo , que se ubica después de la cabeza de la nota).

• Staccatissimo 
• Se coloca una raya o una coma recta por encima de la nota que crea un staccato exagerado, es decir un nota muy breve. 

• Marcato 
  También llamado, informalmente, "acento". El marcato acentúa una nota por encima de las notas a su alrededor.


• Sforzando 
  Hace que la nota suene más fuerte que las que la rodean. Cuando una sola nota es afectada por la marca se escribe la abreviatura sfz .
  * Sforzando es considerado también una indicación de dinámica.


• Ligadura de Duración
  Es una línea curva que une dos o más notas de la misma altura. En la música de piano, las notas que están conectadas con ligadura se tocan como una sola nota y duran lo que duran todas las notas ligadas. Por ejemplo, en la imagen anterior, el Fa dura tres golpes.


• Ligadura de Expresión
  Conecta dos o más notas diferentes . Las notas individuales deben tocarse sin que se oiga el espacio entre ellas.


• Calderón o Fermata 
  Es una indicación para sostener la nota del acorde o una nota el tiempo que se desee. A la fermata también se la llama ojo de pájaro .

• Arpeggio 
  Es una línea vertical irregular cercana al acorde y significa que sus notas no deben tocarse simultáneamente. Las notas se tocan rápidamente y en orden, creando un sonido similar al de un arpa. Los acordes arpegiados van, generalmente de abajo hacia arriba, a menos que exista la flecha hacia abajo. El arpeggiato es un arpegio rápido.

Staccato

Definición: Staccato, que significa "separado" es una indicación de que la nota debe ser breve, para separar las notas entre sí y que no se toquen ni se superpongan. Este efecto en la articulación contrasta con el legato . 

El Staccato se marca en la partitura con un pequeño punto negro ubicado arriba o debajo de la nota (no al lado como el puntillo ). 

Cómo sentarse en el piano

1.   Los pies deben estar tocando el suelo completamente 
Si esto es imposible o, para ello, debe sentarse muy bajo, coloque un objeto sólido y resistente bajo sus pies en su lugar. Mientras toca, sus pies deben proporcionarle más estabilidad que el banco del piano, así que no los deje deambular muy lejos en ninguna dirección. 

2.   Siéntese en la mitad delantera del banco del piano o asiento 
Con sus pies bien colocados, sus caderas dejan de ser el centro de gravedad - su espalda no puede flexionarse hacia atrás y adelante, su torso puede proporcionarle impulso a la parte superior de su cuerpo durante la dinámica fuerte y los largos periodos de octava. 

3.   Mantenga las rodillas por debajo del teclado. 
Evite sentarse en el piano como lo haría en un escritorio de trabajo; el teclado puede cubrir sus rodillas, pero sus muslos no deben quedar debajo del instrumento. 

4.   Encuentre la altura adecuada en el teclado. 
Sentarse muy alto en frente del piano puede causar dolor en la zona alta de la espalda y el cuello; sentarse muy bajo contribuye a las malas posturas al tocar y una visión reducida del teclado. 

• Su altura debe permitirle tocar las teclas con sus antebrazos paralelos al piso.


• Los muslos están casi paralelos; está bien que las rodillas estén ligeramente por debajo de sus caderas.


• Si necesita más altura, siéntese en una almohada firme o mantas o toallas apiladas uniformemente.


• La partitura debe colocarse al nivel de los ojos

Dinámica. Grado de intensidad

Los terminos que veremos a continuacion no los encontraremos como tal en la partitura musical, sino que veremos su abreviatura, pero igual modifican a una serie de notas especificamente marcada de la partitura:

pp: significa pianissimo. El sonido debe ser muy suave o muy quedo.

p: significa piano. Los sonidos se tocaran suave o quedo.

mf: significa mezzoforte. Los sonidos se tocaran a mediana intensidad, tendiendo a un sonido fuerte.

f: significa forte. Los sonidos deben escucharse fuerte.

ff: significa fortissimo. Los sonidos deberan tocarse muy fuerte.

cresc: significa crescendo. Los sonidos deben progresar hacia un sonido mayor al que tenian cuando inicio este termino.

dim: significa diminuendo. Los sonidos deben progresar hacia un sonido menor al que tenian cuando inicio este termino.

Evite dolores y molestias relacionadas con el piano

Postura correcta al piano

Desarrollar y mantener una postura correcta al piano es una necesidad, a pesar de lo tentador que sea encorvarse casualmente frente a las teclas. Sea consciente de su postura al piano hasta que se convierta en un acto instintivo; sentarse correctamente al piano puede mejorar su experiencia con el instrumento ya que reducirá dolores y tensiones y le ayudará a:

1. Llevar una mejor dinámica al tener un mayor control sobre las articulaciones


2. Cambiar suavemente sobre grandes intervalos con una mayor flexibilidad.
3. Controlar los nervios en el escenario: Trate de conseguir una posición cómoda y habitual; la familiaridad puede darle mayor confianza en el escenario y promover la memoria muscular.

• Aprenda las posiciones correctas de la muñeca y el brazo en el piano
• Aprenda a sentarse con el teclado

Mala postura al piano

Una mala postura al piano puede pasarle factura tanto en su técnica como en su salud. La mala circulación pone mella en su resistencia y flexibilidad; los dolores y molestias desalentadores que surgen de la postura del piano podrían convertirse en trastornos graves. Tan fácil como es perderse en la música, si toca el piano durante largos períodos, tome descansos para hidratarse y hacer estiramientos, por lo menos una vez cada dos horas.

1. Posibles dolores 
   
   Experimentará un período de ajuste en el que su postura puede parece poco natural y forzada, lo cual puede causar algo de dolor muscular en los siguientes lugares:
   • Entre los hombros
   • Parte trasera del cuello
   • Parte superior de los brazos
   • Parte baja de la espalda
   • Músculos de la pantorrilla y del tobillo (por el pedal)
   • Antebrazo
   • E incluso fatiga en los músculos de los dedos.
   Para los que tocan por lo menos tres veces por semana, estas molestias suelen desaparecer al final del primer mes con una postura adecuada.

Posición de muñecas y brazos para tocar piano

Mejora tu habilidad para tocar y evita lesiones.

Posiciones correctas de muñecas & brazos para piano

En el piano, tienes que estar relajado pero bajo control. Si empiezas a sentir tensión en los músculos, tomate unos cuantos minutos para estirarlos. Esto puede incrementar la resistencia en la parte superior del cuerpo, y ayudar a prevenir lesiones de muñeca y dolores de músculos a causa del piano.

 1. Manos & dedos

Las manos deberían formar un pequeño arco, entre “ahuecadas” y rectas. 
mientras tocas, debes tocar las teclas del piano con la 1/3 parte superior de tus huellas dactilares. Para dinámicas pesadas o entrecortadas, aumenta el arco mientras mantienes tus muñecas rectas.

Evita que tus 1eros nudillos se doblen. 
El primer nudillo – el más cercano a tu uña – no se debería doblar hacia atrás mientras ataques las teclas.

no dobles tus muñecas. 
mantén tus muñecas y tus antebrazos alineados. Evita el poner el peso de tus manos sobre tu pulgar o sobre tu meñique; o el doblar tus muñecas arriba y abajo.

 2. Brazos & hombros

Los brazos deben de parecer estar casi verticales. 
Su codo debe de estar de 1/2 pulgada a una pulgada más cerca del instrumento que sus hombros

Mantenga los antebrazos en paralelo con el suelo cuando toque música suave y lenta
Para las canciones animadas o dinámicas, los codos pueden estar un poco más arriba que las puntas de los dedos.

Mantenga los hombros relajados. 
Para aflojar los hombros, deje que su torso se relaje totalmente algunos segundos, y luego sin demasiada fuerza, jale sus hombros hacia atrás hasta que encuentre una postura derecha pero flexible.

3. Espalda & cuello

Mantenga su espalda cómodamente recta. 
Si sus antebrazos no están paralelos con el suelo, ajuste la altura del asiento hasta que lo estén; nunca se jorobe.

No le ponga atención al respaldo de la silla. 
Si su silla o banquillo del piano tiene un respaldo, admire lo único que es, pero ignórelo mientras toca (aprenda Cómo sentarse al piano ).

Mantenga las partituras al nivel de los ojos para prevenir dolor de cuello. 
Aprender esa canción podría ser un dolor de cuello, pero que sea sólo sentido figurado.

Trabajar y estudiar: ¿Cómo puedo estructurar y aprovechar mejor mis sesiones de práctica ?

Esta puede ser la principal diferencia que separa los estudiantes adultos de niños: la estructuración de nuestro limitado tiempo en sesiones de práctica coherentes y útiles. Después de todo, algunos días pueden estar tan ocupados que hasta la hora de dormir no nos damos cuenta que ni almorzamos. Debido a que la cantidad de tiempo de estudio puede ser tan limitada para un adulto, es importante centrarse en la calidad del tiempo de esa práctica.

Independientemente de cuando tiempo practiques, el aspecto más importante de la práctica es la atención plena. Así que incluso si sólo dispones de 10 minutos para practicar digitación,por ejemplo, toda la atención debe concentrarse en la práctica de las técnicas individuales requeridas.

El caso del estudio de violín

Por supuesto, es muy difícil tener un conocimiento integral y controlar cada detalle de tu forma de tocar al mismo tiempo. El hábito de la mejor práctica es elegir un área de enfoque, como la digitación, y crear una intención antes de empezar a jugar. Por ejemplo, " para esta canción , voy a asegurarme de que mis dedos estén en posición de afinación" Para después decir: "ok , ahora voy a prestar atención a la cantidad de arco que estoy usando para estas notas rápidas " . Al aclarar y focalizar tus intenciones antes de empezar a tocar, estás concentrando tu esfuerzo en los centros de coordinación específicos. 

La belleza de la práctica  "a conciencia" es que todo en lo que te habías concentrado continuará manifestándose durante el resto de tu práctica y mejorará en general tu nivel de ejecución mucho más rápido que una práctica "fuera de foco".

El conocimiento consciente engendra conocimiento inconsciente, que a su vez engendra la precisión.

Guitarra: Cómo leer Tablaturas

¿Qué es una tablatura?

Una tablatura es una manera de escribir música para guitarra. Tiene algunas desventajas respecto a las partituras, entre ellas, que no se puede representar la duración de las notas. También tiene ventajas respecto a la partitura, leer una tablatura es más intuitivo y más fácil, sin necesidad de tener conocimientos de música.

La estructura básica de una tablatura es esta:

Tenemos 6 líneas, cada una empieza con una letra y sigue con una línea de guiones. Esto representa las 6 cuerdas de la guitarra, estando la más aguda (la de menor grosor) arriba del todo y la más grave (la más gruesa) abajo del todo.

Las letras que ves a la izquierda de la tablatura indican como debe estar afinada la guitarra (usando cifrado americano), en este caso, al ser EADGBE significa que la canción se toca con la guitarra en afinación estándar.

Ahora necesitamos saber cómo se representan las notas en la tablatura. Vamos a ver un ejemplo:

Como ves, hay cuatro números en el espacio que corresponde a la sexta cuerda (la más grave). Cada número representa un traste. Para tocar esto, habría que pulsar en el traste uno de la sexta cuerda, después en el segundo, después en el tercero y después en el cuarto.

Para representar una nota al aire (sin pulsar ningún traste) se pone el número 0.

Ahora vamos a ver como se representan los acordes:

En esta tablatura hay varios números representados uno sobre otro. Esto quiere decir que tenemos que pulsar esas notas a la vez. En el ejemplo, tenemos que dejar la quinta cuerda al aire, la cuarta cuerda pulsada en el traste 2, la tercera cuerda pulsada en el traste 2, la segunda cuerda pulsada en el traste 2 y la primera cuerda al aire.
Ya sabes cómo leer una tablatura “básica”. En un próximo post vamos a ver algunas de las indicaciones que puedes encontrar en una tablatura.

Etapas del desarrollo musical

Son muchos los investigadores que trabajaron sobre el desarrollo del pensamiento musical, destacando a Dowling, Moog, Shuter-Dyson y Grabiel, Rainbow y Owen y a Bentley. A continuación, trataré algunos de los principales puntos de sus obras referidos a las etapas del desarrollo musical.

Fuentes de Estimulación Temprana:

Baby Talk. Este término se refiere a las modificaciones adaptativas del habla que los adultos próximos al niño utilizan para dirigirse a él. Se caracteriza por tener unas connotaciones musicales y lingüísticas de gran importancia para el desarrollo del lenguaje y de la sensibilidad y aptitud musical. Son experiencias precursoras de la sensibilización, del desarrollo perceptivo y de las habilidades musicales debido a su riqueza de modulaciones melódicas, ritmo, intensidad, acentuación y expresión que activan la atención del niño. 

Canciones de cuna. A través de ellas le llegan elementos musicales como compás, ritmo, sonoridad, contornos melódicos. Capacitan al niño para percibir modilaciones de voz y ña carga emocional de la canción.

El Desarrollo Melódico 

Hay controversias sobre si las primeras manifestaciones musicales son melódicas o rítmicas. Moog parece decidirse por la primeras, estudiando el balbuceo, en el que distingue entre el musical y el no musical. Este es precursor del habla y aparece primero (2-8 meses), mientras que el musical aparece como respuesta a la experiencia vivida, a la música oída (8 meses). Se realiza sobre una vocal o pocas sílabas y con un ritmo muy pobre.

El desarrollo melódico y el canto espontáneo. Moog explica ña evolución según la edad.

-De 0 a 1 año. Predominio de intervalos descendentes. Canciones breves con repeticiones de palabras de un único tono y valor rítmico. Las pausas se realizan por necesidad fisiológica de respirar.
-2 años. Canciones más largas y organizadas. Intervalos reducidos (de segunda y tercera).
-4 años. Canciones potpourris, precedente de canciones conocidas en las que alternan palabras y ritmo.
-5 años. Disminuye en frecuencia la cación espontánea, pues surge la preocupación por la precisión.

Imitación de canciones

-De 0 a 3 años. Empiezan repitiendo algunos fragmentos de la letra, patrones rítmicos y tonales hasta llegar a aprender el contorno melódico y rítmico.
-3 y 4 años. Repiten la canción completa, dominando el ritmo y el contorno melódico. Dificultad en producir intervalos precisos y en mantener la misma tonalidad.
-5 años. Reproducen con precisión nanas y canciones infantiles. Su voz alcanza una extensión de 10ma, con desplazamientos de intervalos máximos de 6ta.